Anticristo (2009)

O homem é uma semente rebelde da natureza

O prólogo de Anticristo (2009) está repleto de informações e é a única sequência do filme que é maravilhosamente delicada – e tal afirmação pode ser entendida de forma monstruosa, dado o contexto do início. Charlotte Gainsbourg interpreta “Ela” e Willem Dafoe faz “Ele” – e é dessa maneira que irei me referir aos personagens ao longo do texto. Em pleno orgasmo não existe mãe ou pai, somente duas vidas tentando encontrar o prazer em uma energia simbiótica cujos movimentos são conhecidos popularmente como “sexo”. E é isso que o ser humano faz, ele busca prazeres, até mesmo na estagnação.

O filme para mim, é importante ressaltar desde o início, conversa com o espectador e suas dores sobre o estado puro do homem, o qual remete diretamente para a origem da vida e do pecado. O homem primata possuía o mundo como palco, mas estava repleto de limitações territoriais. A noite era representação do perigo, as caças eram sinônimo de poder e a conversação com as divindades eram feitas através da arte rupestre. De imediato percebemos a conexão infinita da humanidade com a natureza e a tentativa frustada de sobreviver nela.

Resta ao ser somente o prazer. Estar presente sem propósito é sufocante, por isso que é importante sentir a felicidade, mesmo que ela se origine de uma ilusão. E é isso que o homem sempre buscou, inclusive na modernidade. Buscamos a felicidade, mesmo as que duram apenas alguns segundos, tudo isso porque não aguentamos a realidade despida.

“Ele” e “Ela”, em Anticristo, representam toda a humanidade que luta contra a natureza no momento que padroniza a sua existência. Criando laços afetivos e se acomodando como conforto. “Ela” é a primeira a se desprender dessa realidade inevitável, ao passo que goza. O gozo traz consigo a dor da vida e morte e o ciclo se repete infinitas vezes. O prazer, que outrora era personificação do homem individual e egoísta, cria novas oportunidades e seres, todos fadados à enfrentarem a mesma maldição e benção de existir.

A cena do prólogo é envolta de uma música gregoriana chamada “Rinaldo, lascia ch’io pianga”, cuja letra é bem significativa para o entendimento do filme:

“Deixe que eu chore minha sorte cruel, que eu suspire pela liberdade. A dor quebra estas cadeias de meus martírios, só por piedade!”

O slow motion traz a beleza visual de movimentos simples e catastróficos, no mesmo tempo que diferencia aquele instante dos infinitos outros que se passarão a seguir na vida do casal. Enquanto fazem sexo, o filho cai da janela e encontra o seu fim. A apresentação do trágico não poderia ser mais claro, o vento que abre a janela (portal da morte e desesperança) é quase perceptível, a câmera focaliza três soldados em cima da mesa, todos juntos trazem a seguinte mensagem: Dor, tristeza, desespero”. E é exatamente esses três sentimentos que estarão presentes ao longo de uma hora e quarenta e oito minutos. 

A tristeza invade os protagonistas e, por consequência, o espectador. “Ela” é a que mais sente o falecimento do filho, principalmente pela culpa. Na verdade, a mulher aqui é a que não teme exibir suas dores, no mesmo tempo que “Ele”, por ser um psicanalista, se esconde atrás da sua profissão e passa a se dedicar na recuperação da esposa. O laço familiar – que é intrínseco ao homem ou é imposto pela própria sociedade? – é quebrado, a esposa passa a ser objeto de estudo, uma simples paciente, cobaia e escudo.

Um momento que comprova o início da obsessão por parte do marido, é a cena do hospital. Onde ele acompanha os mínimos avanços psicológicos da esposa e se coloca como superior ao médico e se prontifica a curá-la, com a justificativa de que “ninguém a conhece tão bem quanto ele”. Essa afirmação não só demonstra a sua arrogância, como também deixa ainda mais ambíguo o seu estado psicológico, visto que está em pleno desequilíbrio entre o profissional e pessoal.

Os diálogos iniciais apresentam sempre “Ele” em primeiro plano e “Ela” ao fundo, com o rosto desfocado – elemento que será repetido no final do filme, onde diversas mulheres com o rosto borrado invade a floresta. Ainda mais, em vários momentos ela está posicionada abaixo do marido, como se fosse visualmente inferior a ele por conta da debilidade psicológica. Essa postura ilustra uma verdade social: a de que o ser humano, muitas vezes, recusa até o último momento expor as suas fraquezas, mesmo quando o desabafo é a única maneira de continuar caminhando.

Homem e mulher passam pela mesma dor. Mas a forma que eles lidam com ela determina exatamente as consequências que veremos a partir de então. Em singelas cenas, “Ele” é filmado entre paredes, lugares desproporcionais, ângulos diferentes, que representam os seus sentimentos silenciosos diante à fatalidade.

Quando “Ele” pede para sua esposa se imaginar no Eden – floresta que representa o maior medo dela -, ela o faz e se vê caminhando por entre a mata em câmera lenta. Assim como o prólogo, o tempo indica a fusão entre o ser humano/mulher e a natureza. A humanidade está livre e abandonada, a frase “a natureza é a igreja de Satã” ilustra exatamente isso. O conceito de Satã, nesse momento, faz referência à filosofia de Anton LaVey, que classifica satã como uma metáfora da natureza, não apenas como uma síntese do mal.

A comunicação dos protagonistas na floresta sempre é distante, ambos se apoiam um no outro e na ilusão para o equilíbrio. Ela usa da persuasão para soar como curada; ele simplesmente se apoia na intelectualidade. Ela é o cervo que carrega em sua traseira o filhote morto e ele é a raposa que come a si próprio, ambos retornam para suas versões selvagens, inclusive ele ouve a raposa dizer “O caos reina”, frase que contradiz a sua posição profissional até o momento.

A jornada de retrocesso filosófico, onde um homem e uma mulher se aceitarão como uma só dor e compreenderão que a maldição do homem civilizado é recusar a verdade de ele e a natureza são a mesma coisa, chega ao seu ápice quando a dor psicológica transborda ao ponto de ambos se agredirem fisicamente. A começar pelo sexo na floresta, onde há um corte e unido com uma ausência sonora assustadora, é possível ver diversos corpos enterrados em baixo das raízes de uma grande árvore – seria o fruto proibido? – até culminar na agressiva cena onde a mulher masturba o seu marido e ele ejacula sangue. A vida e morte se encontram nesse momento. A esperança morre e os três mendigos assumem o mandato, não só do casal, mas do mundo. Afinal, dor, desespero e luta é o que há, a realidade que teima em ser rejeitada por momentos ilusórios de felicidade.

Anticristo se trata de um monólogo de um diretor amargo e submerso na depressão que retrocede ao ponto em que todos os homens estão nus, cegos e incompreendidos pela própria natureza. Através da melancolia ele consegue desenvolver uma obra que conta uma só história repleta de referências bíblicas e filosóficas, e que, por isso, consegue se desdobrar e envolver diversas camadas, principalmente as relacionadas com a natureza humana e sua postura diante do inevitável processo de abandono e fim.

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No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

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Eu Matei Minha Mãe, 2009

Eu matei a minha mae

★★★★★

Xavier Dolan esteve desde muito cedo ligado ao cinema. Parece ter conseguido, anos depois, unir as experiências da atuação com o olhar curioso, afim de desmistificar o papel do diretor em uma obra, ou melhor, o papel de um criador.

Com vinte anos, ele dirigiu o seu primeiro filme. Se não bastasse, Eu Matei Minha Mãe foi aplaudido longos minutos em Cannes. O jovem diretor conseguiu transformar a sua ansiedade em arte, levando as ultimas consequências o fator identificação: jovens do mundo inteiro se identificam com o tema abordado pela obra, sua alma indie e as fortes influências de videoclipes.

Pretendendo navegar por entre uma relação conturbada de um filho – interpretado pelo próprio Xavier – com sua mãe – Anne Dorval em uma performance estarrecedora – o desenvolvimento atinge muitos outros fragmentos familiares do homem moderno como opção sexual, busca pelo inalcançável e, principalmente, amor.  A relação entre filho e mãe desencadeia uma série de reflexões sobre os mais diversos temas, que são propostos de maneira sutil e inteligente.

Vivemos em um mundo que diminui a importância da criança, muito por conta de uma inevitável insegurança; Isso cria uma distância, muitos adultos acabam ignorando as crianças, de forma a proibi-las de dizer o que pensam sobre o mundo e as futilidades que o cercam. O mesmo acontece, infelizmente, com o jovem.

O homem adulto tem a mania de achar que sua juventude é melhor do que a atual, mesmo que não compreenda o que é a atualidade. O processo de empatia surge como uma piada para os desavisados, as relações familiares partem de uma necessidade de estabelecer regras esquecendo, consecutivamente, do carinho.

Xavier Dolan, em Eu Matei Minha Mãe se transforma em uma ferramenta para alcançar algo proibido: a voz. O título faz referência a um sentimento muito pessoal e complexo, podemos matar uma pessoa sem ao menos encostar os dedos nela. O pior tipo de morte é morrer existindo, fruto de uma existência vã ou uma relação extremamente degradante – no filme temos justamente o segundo caso.

Hubert, o jovem protagonista, se mostra insurrecto constantemente, principalmente quando direcionado a sua mãe. No entanto, em um dos diversos momentos onde faz suas confissões perante uma câmera, ele parece compreender a realidade que precisa da figura materna tanto quanto a odeia. Ainda mais, o ódio aqui assume uma definição ambígua, podendo desviar-se com facilidade pelos caminhos da adoração: ele ama a independência da mãe na mesma proporção que odeia a sua falta de preparo em cuidar e ter carinho por ele, no mesmo momento que se identifica com essas falhas, pois também não consegue ser um filho exemplar.

As “falhas” dos personagens são analisados de forma pertinente, o diretor faz questão de expor isso freneticamente, por esse mesmo motivo pode soar forçado para muitos, mas pelo fato de se tratar de um jovem realizador, o personagem que vemos na obra é o alter ego do seu criador, podemos traduzir como uma metalinguagem o próprio processo criativo, visto que se trata de um jovem querendo desabafar para o mundo tudo aquilo que tem a dizer, mesmo que o “tudo” seja muito grande para ser feito depressa.

Um fator crucial para o entendimento do filme, na sua essência, é analisar a composição dos cenários, bem como a iluminação. Pautando-se em uma fotografia aparentemente comum, visivelmente temos as curvas dramáticas dos personagens sendo retratadas através de um destaque na iluminação dos cenários – quando Hubert está na casa do seu namorado, no quarto, a iluminação da casa é extremamente clara, ressaltando a pureza e limpeza existente na relação do seu namorado e amigo com a mãe extremamente liberal. Um verdadeiro contraste se comparado as diversas cenas em que Hubert está sentado na cozinha com sua mãe, onde o cenário teima engolir ambos personagens, principalmente com a ajuda da iluminação vermelha e o posicionamento alto da câmera, que destaca a pequenice da mãe e filho, bem como o afeto inexistente ali.

A importância do cenário e objetos ganha uma nova proporção quando nos deparamos com diversas inserções ao longo de imagens aparentemente desconectadas da história. Logo no começo temos, por exemplo, imagens de miniaturas de borboletas – borboletas, como todos sabem, significam a transformação – essas borboletas, veremos a seguir, são enfeites na parede do quarto da Chantale ( mãe ), portanto, metaforicamente ela guarda a transformação do filho na parede pois não consegue lidar diretamente com o seu desenvolvimento e independência.

A casa e sua decoração representa a alma da mãe, sua personalidade e expectativas, por isso Hubert nunca parece estar a vontade naquele local. No entanto, é curioso notar, em determinada cena, que o garoto passa a ajudar a cuidar da limpeza, da arrumação da casa e, imediatamente, a iluminação – voltemos a ela – se torna mais clara, ou seja, o filho ao cuidar da casa e dos objetos, está cuidando da própria mãe.

Outro elemento que compõe as cenas iniciais e se estende durante quase todo o filme, é os planos detalhes. Olhar, dedos, xícaras, enfim, aproximam o espectador da rotina. Há ainda uma preocupação em posicionar os personagens sempre em lugares desproporcionais no quadro, ora no canto esquerdo, ora em baixo, poucas vezes eles estão centralizados.

Paradoxo é tentar entender a angústia de não ser aceito. Hubert é um ser em formação, cheio de falhas e passando por momentos difíceis e confusos, de forma minimalista a sua relação homoafetiva vai sendo trabalhada, junto com a sua insegurança em confiar na mãe, porém a mesma não parece agir de forma a extrair tal iniciativa do filho. Essa barreira vai moldando formas obscuras e a raiva vai dando lugar à rebeldia. Um jovem genuinamente ansioso, à espera de uma oportunidade para fugir.

E, quando o menino/criança, entra no ônibus para voltar ao seu lugar nenhum, a estabilidade dá lugar ao desequilíbrio, sendo mostrado através da câmera que treme constantemente enquanto, ao fundo, temos a cidade desfocada. O mundo particular de um jovem inocente a espera de crescer e, principalmente, ser aceito.

“Você é um peixe de águas profundas, cego e luminoso. Nada em águas turbulentas, com a raiva da era moderna, mas com a frágil poesia de um outro tempo.”

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( entrevista ) – João Paulo Miranda

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O Cronologia do Acaso entrevistou o diretor joão Paulo Miranda, que participou duas vezes em Cannes no ano passado com “Ida ao Diabo” e retornou em 2015 com “Command Action”.

Eu, Emerson Teixeira, confesso que após a gravação fiquei ainda mais contente por perceber o ser humano incrível que o João Paulo é, certamente uma grande inspiração para aqueles que apreciam ou estão inseridos no meio artístico. Convidei meu amigo Tiago Messias do maravilhoso blog Altverso (https://altverso.wordpress.com/) para, juntos, conversarmos sobre a produção de filmes no Brasil, o cinema independente, o uso do audiovisual nas escolas, a experiência de estar em Cannes, enfim, um papo que rendeu bastante. Temos ainda, ao final, uma aparição emocionada do Sandro Macena que se atrasou mas colocamos ele na chamada para desabafar um pouco.

Edição do podcast feita por Tiago Messias

Mande e-mail para: contato@cronologiadoacaso.com.br
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CdA #031 – Cannes 2015

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Senhoras e senhores, esse é mais um episódio do podcast Cronologia do Acaso, dessa vez, um especial sobre os filmes do festival de Cannes 2015. Emerson Teixeira e Rafa Tanaka (http://humanoides.com.br/) assumiram a difícil missão de comentar os filmes mais relevantes, destacando os que prometem bastante e, ainda por cima, fazendo previsões para o Oscar 2016. Esse cast é um extra, faremos anualmente, sempre com a mesma dificuldade de pronunciar os nomes e bom humor.

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Qivitoq, 1956

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★★★

Há diversos pontos interessantes para comentar sobre esse filme, como o fato de ter sido indicado ao Oscar de filme estrangeiro – o primeiro dinamarquês a conseguir tal feito – e selecionado para Cannes. É de se surpreender, na verdade, quando percebemos que “Qivitoq” funciona como uma espécie de cartão postal da ilha Groenlândia, a maior que existe. A sua paisagem, cercada por gelo, traz a ideia de isolamento do povo, uma cidade paralela, um mundo diferente, onde a personagem principal, junto com quem assiste, será convidada a conhecer.

Conta a história da Eva Nygaard, uma moça dinamarquesa que vai até Groenlândia afim de encontrar o seu noivo, um doutor que está prestando trabalhos na ilha. Mas ela é surpreendida pelo fato do mesmo ter uma outra mulher, inclusive é uma enfermeira. Eva fica desolada e é amparada por alguns moradores da Groenlândia. Esperando até que o próximo barco venha e, assim, voltar para a casa, Eva decide esperar em uma pequena vila de pescadores, muito simples e aconchegante, ela ficará hospedada na casa do solitário Jens, um homem que funciona como uma espécie de prefeito/trabalhador da vila, visto que ele dá ordens, ajuda os outros, enfim, é extremamente atarefado e importante.

Jens é uma pessoa que aprendeu a viver por outras pessoas, no mesmo tempo está acostumado a viver só, tendo companhia apenas da sua empregada, a qual ele sempre maltrata. Com a chegada da Eva, inicialmente, ele age de uma maneira rude, o que cria diversos desentendimentos, porém esse tratamento indelicado parece funcionar para a personagem, que acabou de perder o noivo e está inteiramente magoada, a visão realista e fria de Jens a ajuda a superar a tristeza. Os dois vão, aos poucos, abrandando os corações, se conectando. Eva tem que decidir se assume essa vida simples ou se volta para a antiga vida.

A solução para desenvolver esses pequenos conflitos é usar elementos da própria paisagem, como citei acima, o gelo representa a postura do personagem que, até então, permanecia frio diante as várias sensações que deixou para, enfim, se juntar a vila. Além do mais, Groenlândia é de uma beleza única, impossível não ficar com vontade de visitar, parece um paraíso perdido, rodeado por águas e, assim, unindo as pessoas de uma maneira extraordinária, o que resulta em diversas estranhezas a personagem principal, que veio de uma cidade grande, um mundo completamente diferente.

A vida de pescador, simples, de trabalho quase que infinito, ilustra a importante situação econômica da ilha, tendo como Jens uma grande chave para lidar com os problemas. Diante a diversas pessoas inocentes, ele se mostra apto a resolver qualquer problema, sendo uma espécie de sistema para aquele local e também um porto seguro, um amigo. A figura selvagem vai se desconstruindo aos poucos, de forma a exibir um coração muito bonito e dedicado. A figura do ator Poul Reichhardt só exalta uma beleza natural, desenvolvendo com propriedade o seu papel, vale dizer o mesmo da Astrid Villaume que, mesmo sem ter uma cena extremamente impactante, é talentosa, apesar de alguns pequenos exageros.

Qivitoq, o nome do filme, faz referencia a um fantasma que o povo acredita existir entre as geleiras, existe essa lenda entre eles, o qual funciona para uma metáfora interessante para os dois personagens em questão, em uma das descrições da criatura sobrenatural é dito que “ele aparece à noite como um fantasma, provavelmente só quer comida. Há superstições demais”, Eva então pergunta curiosa:

O que é um Qivitoq?

Jens responde – Significa o andarilho da montanha. Quando um groelândes está encarando uma grande tristeza ou é desonrado, ele pode sair pelas montanhas para sempre.

Eva conclui, devaneando em voz alta “é uma forma de suicídio”. Esse filme em questão não é uma obra máxima da profundidade, inclusive ele se torna bem falho em diversos detalhes, mas em suma é uma oportunidade interessante para conhecer uma cultura bem diferente, a qual eu nem sabia que existia, e ainda se deparar com singelas reflexões sobre os efeitos que a solidão causa no homem, assim como a desilusão de um fim de relacionamento te deixa frágil e, no mesmo tempo, apto a novas experiências. Sem dúvida, um clássico perdido que merece mais atenção.

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