Wend Kuuni, 1983

Wend Kuuni (Idem, Burkina Faso, 1983) Direção: Gaston Kaboré

Burkina Faso é um país altamente pobre do continente Africano. A pequena população passa fome, as crianças, na sua maioria, são desnutridas, ao ponto de terem que se alimentar de lagartas das árvores de karité para sobreviver. Mas uma curiosidade que chama muito a atenção é que o pequeno país produz uma quantidade enorme de filmes, inclusive sedia o maior festival de cinema do Continente Africano: o Fespaco.

Inclusive um filme da Burkina Faso já ganhou a Palma de Ouro em Cannes, se trata do maravilhoso “Tilaï”, ou “Questão de Honra” (1990). Essa obra traz consigo um registro visceral do povo, com uma narrativa que se desdobra, dentre outras coisas, em uma relação proibida.

Wend Kuuni foi lançado sete anos antes, dirigido pelo Gaston Kaboré – cujos filmes são raros, mas de extrema relevância quando tratamos sobre o cinema Africano – e que tem em sua essência a linguagem documental. A relevância da obra é justamente acompanhar um povo e a sua rotina, principalmente os seus trabalhos, através dos olhos de um pequeno menino que se perde e é adotado por uma nova família.

Quem interpreta o protagonista, Wend Kuuni, é o Serge Yanogo. Um trabalho impressionante pois determina exatamente a energia do filme, a sua performance é pautada na naturalidade, no entanto a força da sua expressão faz com que a história ganhe novas proporções. É de se notar que todos os eventos partirão da sua, a princípio, incomunicabilidade – o menino, após o trauma de se perder, não tem forças para falar e isso é altamente metafórico -, passando pela adaptação com o novo povoado. Os passos do protagonista representam não só as dores das suas tristes experiências, como também sinalizam o caminho que o espectador percorrerá. A partir dele, vários temas subliminares aparecem, o mais expressivo deles, sem dúvida, é a condição da mulher e o seu aprisionamento dentro do próprio sistema de vida. Isso pode ser ilustrado em dois momentos: um é quando acontece uma briga entre um casal no povoado, onde a mulher se revolta com o seu marido, o qual grita que a castigará fisicamente. O segundo momento é uma pequena garotinha – que passa a ser a irmã do Wend Kuuni – imaginando ser homem, chega inclusive a mencionar uma história de “espíritos que transformam mulher em homem”.

Mas os temas, motivados pela simplicidade do filme, afinal, é perceptível o orçamento quase inexistente, aparecem de forma tímida, sempre enraizadas com a cultura. A proposta é mesmo ser extremamente visceral e tanto o estilo de vida do povoado, quando a paisagem seca, ajudam nessa intenção.

A trilha sonora é constante, a música delicada pontua um cotidiano comum e regrado de trabalho, principalmente o artesanato. Importante ressaltar que o protagonista, na sua outra vida, era um caçador. Portanto precisa se adaptar, também, a um estilo de vida equilibrado, mesmo diante a fome e pobreza.

Mesmo que Wend Kuuni nunca atinja um ápice dramático, se trata de um filme altamente importante do país, principalmente por se tratar de uma arte altamente real. Existe muita beleza na simplicidade das cenas, das atuações e da própria história. O cinema parece ser feito disso, oportunidades únicas e ideias que captam a realidade de determinado grupo social, indivíduo sem lugar e adaptações com o diferente. O potencial dramático de um garoto calado, sofrendo suas dores sozinho, é grande, principalmente quando ele representa a história e condição de um país inteiro.

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No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

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A Harpa da Birmânia, 1956

A Harpa da Birmânia (Biruma no Tategoto, Japão, 1956) Direção: Kon Ichikawa

A mesma guerra que transforma indivíduos em heróis, ganha contornos épicos e salienta os interesses do poder, transforma vidas cabíveis dos mais diversos sentimentos em corpos podres jogados no chão. É a personificação da brutalidade do homem, inerente às suas raízes, vai de encontro ao fim, provando sua força e coragem, sob o respaldo de uma intenção dos gigantes que, confortáveis, repousam nas suas salas de estar.

Ninguém pensa no soldado que, em meio ao desespero, desiste de ser herói. Aquele que, ao ver o seu amigo despedaçado por um tiro de canhão, clama por perdão, principalmente por estar em meio à uma peça de xadrez, onde os intelectuais movimentam seus peões e os sacrificam. A guerra transforma o ser humano em um amante do vazio, reduzindo o seu intelecto à uma programação segmentada; faminto, refém e permanentemente envolvido com a morte.

A Harpa da Birmânia vai de desencontro do famoso cinema popular de guerra, e concentra a sua atenção nas consequências dela no psicológico de um indivíduo, bem como a união de um grupo que, mesmo em meio ao caos, ainda tem forças para cantar. De imediato, percebemos uma proposta de reflexão do filme em questionar a situação que percorre, sem fazer propagandas, exaltação de feitos heroicos ou apontar vilões. É muito comum filme do gênero estabelecer imediatamente o inimigo, como forma de engrandecer um dos lados. Na verdade, isso se trata de uma ilusão, pois estando na guerra qualquer grande feito é criação de muitas mortes e dores, não existe inimigo e mocinho quando ambos defendem aquilo que acreditam.

A história do filme acontece no final da Segunda Grande Guerra em 1945, e se inicia com a apresentação de uma tropa japonesa que é, por ventura, liderada por um capitão apaixonado por música e que demonstra grande confiança por um dos soldados, o harpista do título, Mizushima – interpretado pelo Shôji Yasui, que fez poucos trabalhos mas imortais na história do cinema japonês. Na fronteira da Tailândia, essa tropa fica sabendo da rendição do Japão e entrega suas armas para os ingleses. Enquanto isso, o harpista é encarregado de levar a notícia para outra tropa que estava prestes a enfrentar os inimigos. No entanto, eles se recusam a perder suas dignidades através de uma rendição e morrem em batalha. Mizushima sobrevive e, ao invés de voltar para os seus amigos e esperar o dia de retornar para o seu país e ajudar na sua reconstrução, ele rouba as roupas de um monge e caminha por entre os destroços da guerra, rezando e enterrando os seus parceiros, meditando em silêncio e se desprendendo do passado.

Se trata de um dos filmes mais anti-bélicos que existem, pois mesmo que se contextualize em um ambiente assolado pelas sombras, se atém aos homens iluminados nessa jornada de purificação. A sobrevivência aqui é tratada como uma benção e maldição, em nenhum momento a tropa é vista como bondosa, apenas nos é lembrado constantemente da sua humanidade, que inclusive está diretamente ligada com a música que os envolve em momentos de tortura, seja física ou psicológica.

O vasto deserto que serve como pano de fundo para letreiros informativos no começo, é uma feliz ilustração do que está por vir. O protagonista caminhará por esse plano vazio e solitário, como se cada passo expurgasse os seus conflitos internos e traumas, fazendo com que esse ser não seja merecedor dos milagres da existência e estivesse, por consequência, fadado à andar sem propósito. O diretor Kon Ichikawa – um dos mais importantes diretores japoneses da história, tendo feito grandes clássicos como Kokoro (1955), Ten Dark Women (1961) e As Irmãs Makioka (1983) – consegue criar um filme épico e melancólico, sem querer chamar toda a atenção para si, mas sendo altamente técnico e inteligente na direção, não à toa a simetria e coerência visual que está presente desde o primeiro quadro até o último. As imagens acima ilustram um singelo corte que alinha os soldados posicionados com perfeição em meio à mata e logo em seguida os seus pés caminhando nas areias, buscando um destino. Esses cortes, imagens sobrepostas e, principalmente, posicionamento dos soldados no quadro, irão se repetir diversas vezes.

A obra é altamente metafórica quando deposita todas as suas atenções em soldados que, em diversos momentos, cantam e reconhecem de longe o som da harpa do amigo Mizushima. Como se sua harmonia soasse parecida com uma luz dos anjos, um caminho doce a ser enfrentado e, por que não, a própria esperança. A catástrofe amansia esses homens, de modo que todos interajam perfeitamente com a versão mais pueril de si, despidos de camadas sociais pois, nesse momento, são sobreviventes, são livres. Levam consigo o terror das mortes, óbvio, assim como são frutos de interesses – e isso fica nítido visualmente, pois sempre há soldados pressionados entre outros personagens, cercas etc – mas estão em plena recuperação, pois tiveram a arte funcionando como um Fio de Ariadne, que os conectava com resquícios de diversos sentimentos, como a empatia.

Visão dos soldados que encontram Mizushima transformado, solitário e vagante. Ele está ao lado de uma criança que carrega uma harpa (esperança), se encontra livre.

Já os soldados que retornarão para casa, estão apertados ao lado do outro e atrás da cerca. Juntos, sim, mas fadados à enfrentarem as consequências dos seus atos, bem como carregar as mágoas do contexto caótico para o resto de suas vidas.

Na Birmânia ou Myanmar era comum a prática do budismo de Theravada, o qual tenta resgatar perfeitamente os ensinamentos de Buda. Mizushima desde sua primeira aparição é trabalhado como o símbolo da subversão, traz a amenidade e faz emocionar somente com o movimento comum, mas grandioso, de jogar a arma para o lado e carregar a harpa. Como um escudo, como um mantra. A sua harmonia conduz os pecadores ao caminho da nova chance. Não é só os soldados, mas também o garotinho que pede esmolas.

Como não se emocionar com cenas maravilhosas como o monge caminhando na praia e avistando uma pilha de corpos no chão, no mesmo tempo que tampa os olhos e atravessa o local correndo. Como uma criança repleta de medo e que não teme demonstrá-los a quem quer que seja. Como pode um homem valente reduzir-se (agigantar-se) a tal ponto? A trilha sonora dá ênfase à profundidade dramática desses silêncios, como se conversasse com a alma. Aos pacifistas e amantes da música, é um milagre acompanhar essa jornada de um homem só, se entendendo como nada, buscando o nirvana e respeitando aqueles que se foram ao ponto de rastejar pelos seus restos como forma de manter viva as suas honras. Ele aprende a respirar diferente, pensar diferente e se comunicar, só a possibilidade de se manifestar verbalmente dói, portanto usa a sua música e um pássaro para criar mais um elo entre o estranhamento e o propósito. O ser invisível jamais voltará as suas terras, pois dela muitos partiram ao encontro do fim.

“Para a terra não basta cobrir um morto[…] Adeus aos amigos que retornam à Pátria”.

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Califórnia, 2015

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O ano é 1984. Estela vive a conturbada passagem pela adolescência. O sexo, os amores, as amizades; tudo parece muito complicado. Seu tio Carlos é seu maior herói, e a viagem à Califórnia para visitá-lo, seu grande sonho. Mas tudo desaba quando ele volta magro, fraco e doente. Entre crises e descobertas, Estela irá encarar uma realidade que mudará, definitivamente, sua forma de ver o mundo.

“Califórnia” é uma junção de diversas coisas deliciosas que estão relacionadas com um tempo específico mas que, nem por conta disso, são apenas lembranças. Mesmo que o filme se passe nos anos 80 e se utilize de algumas características como o ponto principal para a trama, seja no figurino ou as músicas que, por sua vez, impactam a personalidade dos personagens, o comportamento do jovem é um ciclo atemporal.

Marina Person é uma diretora que sempre esteve envolvida com a música e com a juventude, trabalhava na MTV; depois foi dirigir um documentário, “Person”, sobre a vida do diretor Luiz Sérgio Person. Em sua mais recente obra – e primeiro longa de ficção da sua carreira – ela imprime diversas experiências pessoais em suas personagens, utilizando-os como avatares não apenas de um tempo, como de si. Aventurando-se pela descoberta do próprio corpo e diante ao processo natural de se tornar adulto.

O filme começa com a protagonista Estela ( Clara Gallo ) menstruando. Nesse momento ela tem 15 anos e, assim como qualquer garota dessa idade, se sente um monstro, anormal.

Então acompanharemos esse caminho, repleto de singelas descobertas, comunicações frágeis e influência cultural. Ainda há espaços para temas importantes como a AIDS, novamente, inserida em um contexto, visto que nos anos 80 era impossível transar sem se preocupar com a terrível doença e a transformação física, no caso dos portadores, era muito mais evidente.

Caio Blat demonstra mais uma vez o seu talento e compõe um personagem doce, delicado e simpático, chama a atenção constantemente e simboliza o desprendimento da protagonista. A obra começa com a menstruação e termina com Estela perdendo a virgindade. Sugerindo que, a partir daquele momento, nasce uma mulher.

É um filme feliz na sua naturalidade, ideal para relembrarmos de algumas das maiores características culturais dos anos 80.  Ainda há espaço para curtir a inocente juventude com um sorriso sincero no rosto, algo muito comum em filmes como “Clube dos Cinco” que, a própria diretora afirma, serviu como inspiração para “Califórnia”.

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Imagine, 2012

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Imagine (Idem, Polônia, 2012) Direção: Andrzej Jakimowski

“Imagine”, de 2012, é um filme dirigido por Andrzej Jakimowski, que acompanha a história de um professor cego que é convidado para dar aula em uma escola – também para deficientes visuais – e, aos poucos, ele vai implementando uma forma ousada de trabalho, no qual se propõe a aumentar o senso de criatividade dos alunos em base ao som das coisas. Essa postura vai de desencontro com o que a escola acredita ser uma boa educação, ainda mais, o professor se arrisca andando sem ajuda de nenhuma ferramenta, o que preocupa ainda mais a escola pois temem que um aluno seja atropelado ao caminhar pelo pátio confiando unicamente na sua intuição e sensibilidade auditiva.

Começamos pelo maior ponto positivo que é, sem dúvida, a intenção de explorar a importância da imaginação enquanto somos vivos. Muito distante do fato da perca de visão, o filme sugere à todos espectadores uma experiência carinhosa: sermos cegos por uma hora e quarenta minutos. Ser cego todos àqueles que não reparam nos detalhes das coisas mais simples são, o filme trabalha essa questão de forma linda, cativante e realista, inverte os papeis e coloca a limitação visual apenas como mais uma barreira imposta pela vida. Com a ajuda do som – excelente durante todo o filme – podemos perceber quantos barulhos existem no mundo, cada passo no filme é alto, com a clara intenção de priorizar aquilo que os personagens estão em contato.

O som é tão destacado, que até mesmo reconhecemos os passos dos personagens principais, bem como o lugar que eles estão. Por diversos momentos me peguei fechando os olhos e escutando o filme com muita atenção, em seguida descrevia, ainda com os olhos fechados, o que se passava visualmente. É uma experiência arrebatadora e muito interessante.

No entanto, preciso mencionar os lados negativos também e começamos pelo roteiro. Mesmo que a ideia seja interessante e bonita, o desenvolvimento é praticamente o mesmo visto em inúmeros filmes que envolve um professor, uma ideia diferente, alunos e tudo isso se chocando com a ideologia da escola. Isso sem contar o ritmo lento que, infelizmente, fica ainda pior com algumas cenas que se repetem.

Por fim, “Imagine” é uma ideia muito boa, acompanhada de perto por uma má execução. Salvo, felizmente, por algumas cenas emocionantes como a do final, interpretação do Edward Hogg – é perceptível muita entrega do ator ao desenvolver o protagonista – e, claro, o som. Mas ainda assim é extremamente conhecido na polônia, tendo ganhados inúmeros prêmios incluindo direção, filme e som.

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The Piper, 2015

O Flautista (The Piper, Coréia do Sul, 2015) Direção: Kim Kwang-tae

Um flautista chega à cidade de Hamelin e presencia o desespero dos habitantes por conta de uma infestação de ratos. Ele prontamente se dispõe a ajudá-los em troca de um bom pagamento. Tocando a sua flauta, o homem misterioso hipnotiza os ratos e todos seguem diretamente ao rio, onde morrem afogados. Quando o flautista retorna para receber, os poderosos da cidade se recusam a pagá-lo, alegando que ele não tinha trazido provas das mortes dos ratos. Dias depois o mesmo flautista retorna para hipnotizar as crianças da cidade e direcioná-las ao encontro da morte.

Essa história é impactante e sombria, principalmente porque se trata de uma manifestação contextual moldada diante à Peste Negra que assolava as cidades na Idade Média. Há uma mescla de ignorância e aproveitamento, bem como uma evidente intenção de vingança, o que, por sinal, são temas que combinam bastante com o cinema sul-coreano. O Flautista (2015) é realizado em base a esse conto, no entanto os eventos acontecem em outro contexto, o roteiro se preocupa em dar uma ênfase no homem e o motivo de sua ira, embora exista diferenças, as semelhanças foram escolhidas com perfeição, e ainda por cima também existe o conflito histórico como plano de fundo, pois aqui um povoado se vê preso e isolado por conta de uma guerra, o que os proíbem de se moverem, restando-os compartilharem a fixa moradia com uma enorme quantidade de ratos.

Nas primeiras cenas é possível perceber que se trata de uma jornada entre pai e filho, e como ambos se ajudarão no processo. O objetivo é ir até Seoul, pois o filho tem problemas respiratórios e um médico de tal lugar prometera uma recuperação perfeita. O caminho fica estruturado o suficiente e visualmente o filme ressalta constantemente a união do pai com seu filho e como a estrada para a sua recuperação será difícil – algo que pode ser facilmente compreendido através de uma fotografia que posiciona os personagens em estradas estreitas, engolidos por uma paisagem exuberante, pureza essa que será contrastada no final do filme, onde a fotografia fica escura e sombria, acompanhando a densidade do roteiro.

Ainda sobre a posição dos personagens em meio à natureza, essa alegoria da repetição possui uma importância enorme quando há uma tentativa de definir os exatos momentos do roteiro que a obra ganha contornos soturnos. Se o primeiro ato pai e filho estão sempre pertos e a fotografia é clara o suficiente para dizer que, apesar da doença, a união dos dois simplesmente os fazem felizes, no terceiro ato a solidão é devastadora e, com o auxílio da escuridão, a obra gira 360° graus e atinge perfeitamente elementos clássicos do gênero terror, isso sem abandonar a proposta fabulesca.

O flautista não procura a vingança; a vingança o encontra no momento que se isola da esperança. A mesma natureza que o envolvia e emanava luz, passa a escondê-lo no escuro.

 Apesar de bons momentos, a infinidade de curvas narrativas tiram a atenção do foco principal. Às vezes as viradas bruscas que vão do drama ao terror em questão de minutos, atingem o exagero e a experiência se torna cansativa. A sensação que fica é que seria melhor ter escolhido entre um caminho ou outro, assim como os próprios personagens centrais do filme. Todavia, esse é um problema que assola o primeiro e segundo ato, pois o terceiro há uma fixação dos reais interesses metafóricos de todo o trabalho desenvolvido até então, principalmente em relação ao roteiro que mais parece uma fábula com pitadas do bom cinema de vingança sul-coreano. E é surpreendente o resultado, pois a perversidade se alinha com a infantilidade, provocando o desconforto imediato.

A atuação do Seung-ryong Ryu demonstra exatamente as nuances da sua personagem que vai se quebrando aos poucos, um senhor de respeito passa a ser um predador, manipulador de pragas e vingativo. O sorriso das crianças e o seu próprio, ao ouvir as canções da flauta, não passam de ilusões que anteveem a catástrofe. A reinterpretação da história do flautista de Hamelin, é tão obscura quanto o conto original, que guarda em suas linhas um mistério sobre o desaparecimento de crianças e o sofrimento causado por doenças; ainda que o real motivo da vingança, nos dois contos, seja o homem isolado e sofrendo as consequências por confiar.

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Flores Amarelas na Grama Verde, 2015

Flores Amarelas na Grama Verde ( Tôi thay hoa vàng trên co xanh, Vietnã, 2015 ) Direção: Victor Vu

A história se situa na zona rual do Vietnã, na década de 1980, onde dois irmãos aproveitam a sua infância e partilham amor, erros e brincadeiras. São flores amarelas esperando o momento certo de desabrochar, um rito de passagem entre infância e responsabilidades.

A sutileza da sinopse é consequência da singela trama que se desenvolve da forma mais carinhosa possível. O primeiro ato é repleto de momentos engraçados, trilha sonora suave e delicada, uma verdadeira carta de apresentação da pequena vila que, mesmo com toda a simplicidade, está localizada em um verdadeiro paraíso natural – o palco das brincadeiras e relações entre as crianças. A natureza que dá liberdade às crianças é a mesma que aprisiona os adultos, portanto, as flores amarelas do título referenciam essa oportunidade de desprendimento antes da consciência da enorme responsabilidade que os aguardam.

Thieu ( Thinh Vinh ) é o irmão mais velho e o que mais se aproxima dessa transformação, portanto, é o protagonista e veículo entre as paisagens e situação com o público. As suas decisões erradas, apesar de atingirem a grosseria em dados momentos, nunca são motivos de antipatia, pelo simples fato de se tratar de alguém que está em busca da sua melhor condição – a cena em que ele confunde cobre com ouro representa justamente essa inocência, bem como o livro com poemas de amor que recebe da garota que é apaixonado e, cego por ciúme do irmão, não percebe que é a prova da reciprocidade dos sentimentos da garota.

A sutileza também se encontra na transformação fotográfica: no começo a luz é presente, as cores são fortes, trazendo vivacidade ao local, tornando-o ainda mais bonito. No terceiro ato, como contraste, o lugar se torna mais cinza, melancólico, ainda que timidamente.

É uma obra-prima grandiosa de um cinema pouco conhecido, Vietnã surpreende nesse conto realista que se aproxima de uma fábula, começa como um conto infantil e vai se desprendendo aos poucos, culminando em um perfeito ensaio sobre a vida e crescimento. Flores amarelas são as crianças que anseiam pelo amanhã, a doçura do irmão mais novo Tuong (  Khang Trong ) e as fragilidades e acertos das relações.

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Brimstone, 2017

Brimstone (Idem, EUA, 2017) Direção: Martin Koolhoven e Martinus Wouter Koolhoven

Basta assistir poucos minutos desse filme para perceber uma preocupação quase exagerada em trabalhar com o soturno. Não que isso seja ruim, pelo contrário, a manifestação do caos está presente em cada momento, as injustiças e dores provocadas, principalmente, para crença extrema.

Liz (Dakota Fanning) é uma mulher que tenta fugir do seu passado mas se vê confrontada com a chegada de um reverendo diabólico na cidade. Existe entre eles um passado horroroso, motivando uma perseguição cruel, que em consequência afetará a família da protagonista e a sua honra.

Na primeira cena vemos um homem atirando na água. A sutileza da cena esconde um significado profundo, pois as balas perdem a força e velocidade pelo bloqueio do rio. Algo que será, posteriormente, referenciado com a proteção extrema da mãe em relação à integridade da filha. A perseguição, movida por uma insanidade intensa e instinto de vingança, desperta o ódio rapidamente, transformando o vilão – interpretado magistralmente pelo Guy Pearce – em uma figura transgressora, fria e inquebrável. É de se notar, inclusive, que o vilão é apresentado em um plongée e aos poucos vai virando contra-plongée, ressaltando justamente o seu poder.

Ainda sobre planos, em momentos pontuais é utilizado o plongée como uma forma de simular uma possível observação divina, isso é válido pois o inimigo é um homem cuja força e maior perigo se encontra justamente nas suas convicções de que é um veículo para os desejos de deus. Dado o contexto, a ignorância é o perfeito elemento para criar monstros que se alimentam das limitações alheias.

A violência está impregnada e é trabalhada de forma exaustiva pelos diretores Martin Koolhoven Martinus e Wouter Koolhoven, o que acaba cansando em dado momento, mas sua importância em relação aos maus tratamentos às mulheres, obsessão e extremismo religioso torna a obra extremamente significativa.

“Mulheres mais velhas cheiram diferentes. Jovens são inocentes”

O mal, aqui, se alimenta da inocência, a construção familiar é baseada no patriarcalismo e o trabalho constante clama por alívio. Talvez a maior fraqueza do homem esteja atrelado justamente a sua inerência à prática de rituais. Se por um lado o filme é inteligente em trabalhar esses temas de modo a provocar o desconforto, existe uma lacuna grande em relação à atuação da protagonista. Dakota Fanning simplesmente não está à altura do seu parceiro de cena, tamanha inexpressividade incomoda, pois o contraste com a situação é imenso. Por outro lado, Guy Pearce prova mais uma vez o seu talento singular, deleitando-se nas possibilidades maquiavélicas do seu papel e dando ênfase ao seu comportamento e ações polêmicas.

Em última análise, “Brimstone” é uma obra profundamente melancólica – não à toa utiliza a fotografia azulada para reforçar essa ideia -, que acompanha a jornada de uma personagem e revela em doses homeopáticas, e fora de ordem cronológica, a sua vida amaldiçoada. No entanto, a força da sua existência se encontra na coragem demonstrada ao proteger o seu futuro, lutando contra um passado que teima em se repetir e se desprendendo a cada passo, alcançando a liberdade ao se isolar sob a proteção das águas que a dividem da ira dos homens.

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O Padre e a Moça, 1966

O Padre e a Moça (Idem, Brasil, 1966) Direção: Joaquim Pedro de Andrade

Em 1966 a ditadura caminhava em direção as proibições artísticas afim de preservar a moral e, principalmente, crenças religiosas do povo brasileiro. É nesse contexto que foi lançado O Padre e a Moça (1966), obra baseada em um famoso poema do Carlos Drummond de Andrade que possui como temas principais o aprisionamento e a possibilidade de liberdade através de uma paixão proibida entre uma jovem menina e um padre.

A história acontece em Minas Gerais, São Gonçalo do Rio das Pedras, um novo padre chega à cidade e se interessa pelo caso de uma jovem chamada Mariana. Aos dez anos ela foi dada pelo pai para um comerciante local criar, no entanto, a relação paterna deu lugar ao interesse carnal, o comerciante pretende se casar com a moça. O padre se sensibiliza pela menina, no mesmo tempo que se apaixona e entra em um conflito ético.

O padre furtou a moça, fugiu
Pedras caem no padre, deslizam
A moça grudou no padre, vira sombra,
aragem matinal soprando no padre.
Ninguém prende aqueles dois,
Aquele um

O filme é poderoso no uso da pequena cidade, existem três personagens centrais para a trama, mas o contexto é muito significativo para o desenvolvimento. Isso vai desde as casas simples, abrigando mulheres e homens extremamente religiosos e unidos, até a própria população – os figurantes são os próprios moradores, o que traz uma elegância realista à obra. Os diálogos são diretos, as mensagens literais e metafóricas são transmitidas em base à rudimentaridade.

O padre, interpretado pelo sempre magistral Paulo José, representa não só uma imagem de esperança como também serve como os olhos do espectador diante àquela realidade. Os seus passos carregam uma infinidade de questionamentos, começam com a própria função religiosa em um local de extrema carência espiritual – o padre é visto como um salvador por boa parte das pessoas, há inclusive uma cena em que várias senhoras o acompanham pelas ruas, conversando, animadas, ressaltando que sua presença é o Norte para os corações aprisionados – até chegar na ascensão dos sentimentos proibidos pela Mariana. É interessante a relação entre os dois, pois se constrói em base à dilemas pessoais, ele está refletindo a sua fé e capacidade de liderança religiosa e vê em uma moça fragilizada sexualmente, a oportunidade de se libertar. Ela parece desde as primeiras cenas se sentir enclausurada naquele lindo e exótico espaço, porém, limitado, e ainda por cima precisa lidar com o abuso e opressão, esse tormento encontra um oásis quando ela se depara com um padre jovem, repleto de luz e, principalmente, casto.

É a metáfora primordial do isolamento do homem da sua perversidade. Não à toa, em uma cena crucial, Mariana fala para o padre sobre a possibilidade de viverem juntos, visto que a única coisa que os impedia era a batina, ou seja, uma vestimenta com valor simbólico. Essa cena acontece em meio de campo deserto – como uma referência bíblica, visualmente esse momento se assemelha com as tentações que Jesus sofreu no deserto pelo Diabo, troque os valores religiosos e coloque o homem e a mulher, essa tentação termina no exato momento em que o padre encosta e sente a pele de Mariana, movimento que representa o sexo puro. A famosa cena do beijo no ombro, por fim, é o gozo. Jesus não consegue resistir à tentação de ser um homem como todos os outros.

A obra cinematográfica, que foi indicada ao Urso de Ouro em Berlim, é inteligente ao rejeitar a ordem cronológica do poema homônimo, o desejo aqui é trabalhado de forma suave, ainda que o ápice da fuga emocional seja quando as personagens chegam em uma gruta, fugindo dos moradores e o seu conservadorismo. O Padre e a Moça (1966) é extremamente importante para o cinema brasileiro pois se desprende das fórmulas convencionais quanto as histórias de amor, pois os sentimentos aqui partem de dores profundas, da melancolia; a narrativa visceral é um exercício importante, principalmente quando relacionado com as ótimas performances de Paulo José e Helena Ignez. Para finalizar, a fotografia é excelente, é notável a preocupação em estabelecer a diferença entre o padre e a moça através das luzes e sombras, – essa diferença se estende, também, para o figurino, ela está constantemente com um vestido branco, enquanto ele é absorvido pelo preto – além de que é comum enquadramentos onde eles estão na parte inferior direita ou esquerda, ressaltando a pequenice de ambos em relação ao lugar que habitam. Uma verdadeira poesia que ganha proporções maiores quando pensado o contexto histórico da sua exibição.

Entram curvos, como numa igreja
feita para fiéis ajoelhados.
Entram baixos
terreais
na posição dos mortos, quase.
A gruta é funda
a gruta é mais extensa do que a gruta
o padre sente a gruta e o padre invade
a moça
a gruta se esparrama
sobre o musgo, o calcário, o úmido medo
à maneira católica do sono.

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Retrato de uma garota do fim dos anos 60 em Bruxelas, 1994

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No ano de 1994 foi ao ar, na TV francesa, uma série chamada “Tous les garçons et les filles de leur âge” – traduzindo seria algo como “Garotos e Garotas de Todas as Épocas” – que possuía nove episódios, todos dirigidos por pessoas diferentes e que analisava, em uma curta duração, a vida de jovens inseridos no contexto de determinada década.

Foi muito elogiado pela crítica e se destacou justamente pela despretensiosidade e marcas pessoais deixadas pelos diretores, muito por conta da liberdade criativa. André Téchiné, Chantal Akerman, Claire Denis, Olivier Assayas, Laurence Ferreira Barbosa, Patricia Mazuy, Émilie Deleuze, Cédric Kahn e Olivier Dahan foram os nomes que construíram, a sua maneira, uma porta para a reflexão sobre a vida e angústias dos jovens, tendo resgatado isso de forma visceral, com o auxílio de atores e atrizes desconhecidos.

Depois de “U.S Go Home“, da diretora Claire Denis, fui ver o maravilhoso “Retrato de uma garota do fim dos anos 60 em Bruxelas” e, de imediato, pude perceber algumas mudanças cruciais que fazem, esse segundo, ser o fiel representante da ideia excelente de criar pequenos filmes que abraçam a causa do jovem.

O filme é dirigido pela Chantal Akerman e acompanha a história de uma garota, de 15 anos, que desiste da escola e vai para o cinema todos os dias. Além disso, a personagem transita pelas ruas de Bruxelas, em 1968, conversando, se apaixonando e demonstrando, sempre, uma perfeita ciência do que acontece ao seu redor.

A produção foi feita visivelmente com poucos recursos, a abordagem técnica é prejudicada, também, por ser uma obra destinada à TV. No entanto, existe um brilho na intenção de existir um conteúdo audiovisual tão profundo e de acesso facilitado. O maior mérito desse longa está nos diálogos que, sustentando-se no fato de ter, em mãos, uma personagem extremamente complexa e madura, se deleita em cada indagação filosófica ou até mesmo nas referências literárias.

A força feminina está em cada cena, a protagonista se vê em meio à uma série de interesses e jamais se deixa levar, mantendo-se fiel à sua personalidade sincera, despreocupada e um tanto rebelde.

Ela foge para o cinema e, esse momento, não é trabalhado com sentimentalismos, pelo contrário. Ela chega a dizer, em dado momento, que nem se lembra do nome do filme que acabara de ver. A fuga é trabalhada na sua condição mais pura, isolada de qualquer possível disfarce artístico.

“[…] eu gosto dos livros sobre incomunicabilidade[…]”

Uma cena que destaco é quando a menina está no cinema, ao lado de um rapaz e mesmo concentrada no filme, ela sugere ao garoto que a beije. De forma completamente direta e sem vergonha. Depois na rua eles passam a refletir sobre o beijo. Se ela afirma que gosta de livros que abordam a incomunicabilidade, o longa expõe seus atores de forma contrária, extraindo deles a palavra, mesmo que ela ilustre um pequeno detalhe.

Ainda sobre tempo para diálogos bem engraçados como “você têm um corpo bonito, quero te ver nu” e, reparem, todos pautados na mesma naturalidade. Complementando, as músicas são bem utilizadas e a jovem faz jus à força feminina. Em comparação com “U.S Go Home” – que abusa das referências musicais e trabalha com uma personagem indecisa – é infinitamente melhor, no entanto são dois lados de um ser em formação, envolto de muita vontade e pouco conhecimento.

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

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U.S. Go Home, 1994

Us Go Home

Esse filme é a contribuição da diretora Claire Denis ao projeto televisivo “Tous les garçons et les filles de leur âge” que se propôs a acompanhar a vida dos jovens e os seus dilemas, bem como traçar uma diferença entre as décadas que eles estavam inseridos.

Esse longa se passa em 1965 e aborda duas jovens amigas, Martine e Marlene, uma é sexualmente ativa e a outra busca perder a sua virgindade e vê, em uma festa, a grande oportunidade. No entanto, ao chegar na festa, ela caminha pela felicidade exagerada, beijos sem afeto e ligação frágil, enquanto se questiona, silenciosamente, se aquilo é algo que quer para si.

É interessante na sua ideia, mas os poucos minutos para desenvolvê-la pesou um pouco no roteiro. Há uma preocupação muito grande em inserir o maior número de músicas possíveis – e são muito boas, confesso – mas isso se transforma em algo insuficiente para obra pois não há uma atenção em desenvolver as personagens, principalmente a protagonista.

Isolando o roteiro que se sabota, é curioso como o longa transmite a sensação de desconexão com o ambiente, pois as cenas na festa não são nem um pouco confortáveis e o espectador sente empatia pela personagem, seja pela sua atuação ou a própria iluminação que a tira, fotograficamente, do espaço dos colegas.

Enquanto a festa é um momento de exibicionismo exagerado, o ato final é bem interessante e apresenta diálogos engraçados, como um menino que rejeita beber coca-cola e responde, como justificativa: “não bebo coca-cola, sou comunista”.

Como conclusão, é um filme mediano, forte na sua ideia, mas o resultado final demonstra ser insuficiente. Ainda assim é legal para os amantes de música.

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