Respire (2014)

Quem não se lembra daquele grito “Au Revoir Shoshanna!” em “Bastardos Inglórios”, filme do Tarantino de 2009? Ainda mais, como esquecer aquela talentosa e lindíssima atriz que faz a tal Shoshanna? Ela se chama Mélanie Laurent e, além de ser uma excelente atriz, vem se mostrando uma brilhante diretora, vejam só, que maravilha.

Seu mais recente filme “Respire” de 2014 conta a história da Charlie, que vive uma pacata vida escolar, poucos amigos, tímida, ainda tem problemas familiares, enfim, sua vida começa a mudar com a chegada de uma nova aluna, Sarah, com uma personalidade totalmente oposta, faz o tipo popular, amada por todas, meio vida louca. Charlie começa, cada vez mais, colocar Sarah em sua vida, se esquecendo de quem realmente é. Sarah tem problemas com a mãe e se sente, de certa forma, acolhida, Charlie vê na nova amizade a oportunidade de uma nova versão de si mesmo, porém a diferença que constrói essa relação é a mesma que as leva a destruição.
O jovem respira diferente, já perceberam? Ele sente-se apressado, um tanto empolgado, diante a qualquer situação de novidade. Ele se entrega muito mais, portanto se arrepende muito mais, o mundo parece pequeno e se resume a seus problemas escolares, e de fato é. O tempo passa e vem a calma, um dia após o outro, essa tranquilidade é, talvez, a melhor qualidade do sábio. Há exceções, claro, mas em suma o jovem respira diferente. Escrevo isso, pois, assim como o título, temos diversas metáforas sobre a respiração nesse filme. Um exemplo seria a personagem principal, que tem asma.
No início do filme, eu não li sinopse nem nada, imaginei algo parecido com “Azul é a cor mais quente”, há, inclusive, algumas cenas que indicam isso, pois na amizade delas existe muitos contatos físicos, inclusive um beijo quando estão bêbadas. Mas o filme fala sobre coisas diferentes, dentre elas, escolhas. Vivemos cercados de possibilidades, rodeado de pessoas diferentes, elas são, em sua maioria, pontes para conseguirmos ser o que mais queremos, mas até que ponto é máscara? Até que ponto é possível segurar uma relação sustentada por interesses? Essa ideia de opostos, apresentado no filme, é deveras interessante, Sarah conta sobre suas diversas relações sexuais, Charlie diz ser virgem, ela completa dizendo que tentou com um namorado, mas depois doeu e ela desistiu.
Depois de uma intensa amizade passageira, movida por interesses de ambas, a verdade é que a diferença separa as duas, seja na escola ou na vida. As provocações começam. Como é um filme Francês, muitas interpretações ficam a cargo dos olhos mais atentos, acompanharemos o isolamento da protagonista, as brincadeiras de mal gosto que acontecem, enfim, consequências de uma inocente amizade. A densidade toma conta, até chegar na cena final. Um desfecho de arrepiar. Onde a atuação da Joséphine Japy vai ao topo, aliás, anotem esse nome urgentemente, essa é uma atriz de apenas 20 anos, o que ela faz nessa cena é inacreditável!
Obs: Texto originalmente publicado em 5 de fevereiro de 2015

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterFacebookGoogle PlusFlickrYouTube

O Menino e o Mundo (2014)

Com traços despretensiosos, algo próximo aos desenhos infantis, somos apresentados a um garotinho ou, como pode ser interpretado, nós mesmos. Afinal, todos somos crianças, mesmo que seja apenas nas lembranças. Crescendo na zona rural, em um lugar afastado, sua imaginação se transforma em um parque de diversões, onírico e sensível somos transportados para uma dimensão maravilhosa, onde a brincadeira, mesmo que solitária, ilumina nossos corações, trazendo lembranças de nossa própria infância, pois ainda tivemos oportunidade de ter uma, coisa que não acontece com essa nova geração.
O menino no mundo, mundo do menino, mundo grande e menino pequeno, menino grande para um mundo minúsculo. Enfim, o mundo não tem graça sem o nosso olhar para moldá-lo. Nesse ponto, percorremos uma grande aventura por entre um mundo particular de sorrisos, lágrimas e críticas sociais, no que podemos classificar como a melhor animação do Brasil. Assim como uma animação para adultos, mesmo que os tais traços infantis estejam presentes, ainda acredito que o entendimento por completo se dá através de uma experiência maior, eu assisti com minha irmã de 9 anos e, a todo momento, eu dava uma explicada só para contextualizar e, assim, deixar ela interpretar sozinha.
Com três fiozinhos de cabelo na cabeça, muita curiosidade no olhar, o menininho é corajoso em desbravar o mundo, isso é brilhante. Por outro lado, temos que entender que a falta do pai mexe muito com ele, um desmoronamento familiar, cujos pedacinhos ele tenta juntar a todo instante como, por exemplo, guardando as notas da flauta do pai em um potinho e unindo com a canção da mãe. Extremamente lindo e sutil.
Com algumas colagens, que por sinal achei fascinante, o trabalho artístico é impecável, se não bastasse a ideia cheia de significados, temos, visualmente, uma obra fantástica, repleta de enigmas, quando o menino parte para a cidade, há críticas sutis ao consumismo e propaganda, assim como a vida interiorana deixa de existir, tudo passa a ser mecânico, sem verdade, até a estética do filme muda, antes abusava bastante do giz e das falhas propositais da pintura, remetendo-nos a inocência, passamos a ver paisagens bem mais realistas e uniformes.
Enfim, uma grande animação, filme, feito em nosso país, merece ser visto, merece ser interpretado, certamente servirá como catarse, como uma ponte entre você e o menino, menino e o mundo, trazendo-nos aquela vontade de criar com pouco, usar a imaginação para viajar, querer mergulhar nas nuvens e conseguir, no algodão, claro. Mas será mesmo?
Obs: Texto originalmente publicado em 7 de fevereiro de 2015

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterFacebookGoogle PlusFlickrYouTube

Confiança (1990)

Poderia escrever páginas e mais páginas sobre o querido diretor Hal Hartley, mas me contento, por agora, em resumir tudo com um “procure o trabalho dele!”. A sua história está vinculada com o cinema independente, mais precisamente, com o cinema independente norte americano dos anos 90. Eu escrevo muito aqui no Cronologia do Acaso sobre o cinema de outros países, mas jamais escondi o meu apreço pelo cinema americano, principalmente da safra que trouxe a revolução. Se analisarmos a década de 90, encontraremos grandes nomes que surgiram, a partir desse impulso pelo autoral, na lata me vêm nomes como: Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Todd Solodz, Tarantino e Hal Hartley. Todos resgatam elementos perdidos, por entre um fazer cinema acostumado. Roteiros impecáveis, estética transgressora, sociedade sendo vista de perto, próxima ao máximo da realidade.

Bem, comento aqui o filme “Confiança”, de 1990. E que tarefa complicada! Me sinto as vezes muito pequeno perto de uma obra deveras provocativa. Provocação que parte da identificação, misturado com uma careta do tipo que pensa “o que tá acontecendo nesse filme?”. Tamanha estranheza, tamanha naturalidade, tamanha é a nossa sensação de estar diante de algo que acontece, mesmo quando o diretor tente ocultar a mensagem em diálogos, por oras, desconexos. Confiança é a captura de um fragmento chamado confiar. Essa palavrinha, essa ação, essa misteriosidade chamada depositar suas esperanças em alguém, quão complicado é, quão verdadeiro pode ser.

Acompanhamos a história da Maria, interpretada pela belíssima e talentosa Adrienne Shelly, que é uma jovem rebelde, do tipo meio burrinha, que provoca um ataque fulminante no seu pai após contar que está grávida. Sua mãe a manda embora de casa, e é ai que ela encontra um cara estranho chamado Matthew, interpretado pelo grande Martin Donovan, se percebe que ele é um rapaz um tanto descontrolado, anda com uma granada no bolso, por exemplo, muito inteligente e observador, tem problemas com o pai, um ser humano sem carinho algum, que tenta fazer de todo custo o filho engrenar na vida. Como dá para perceber, os dois tem ausências muito grande de carinho, no mesmo tempo que precisam sentir a vida e, juntos, embarcam em diálogos que, bem ou mal, os levará a outro entendimento sobre quem eles são, o que desejam. Mas isso é teoria, no fim eles não tentam encontrar respostas para nada, nem para o sentimento que surge, eles se ajudam. Por quê? Porque alguém precisava os ajudar e, por acaso, eles se encontraram.

Tem tantos detalhes, já digo logo que é impossível interpretar todos nesse singelo texto, começo, então, observando que Matthew tem, literalmente, bomba nos bolsos. Problemas. E é isso que veremos em todo o filme, problemas/bombas, em dado momento Maria, já está nas ruas, encontra uma senhora sentada com o olhar vazio, começa a contar sobre a sua vida e, no mesmo momento, a senhora começa a falar da sua. Fica nessa confusão de histórias, ao mesmo tempo, como se nenhuma das duas quisesse, realmente, prestar atenção em outra coisa senão seu próprio sofrimento. Personagens bombas, encontram-se em momentos de turbulência para, enfim, enfrentar juntos. Mas de maneira alguma acabar, pois o estar junto não significa mais força, apenas companhia. Posso estar sendo meio pessimista, mas o filme me mostrou que não precisamos de sentimentos profundos para planejar algo com alguém, basta ter respeito e admiração com uma pitada de desespero, o diretor é tão visceral nas suas palavras, que em poucas ele representa os casamentos que temos hoje. As pessoas estão se casando por nenhum motivo profundo, apenas união, estão usando a família para acreditar que estão em rumo ao final feliz, enquanto esperam ansiosos pelo começo do fim, mesmo que ainda não saibam. Espera ai, o que é mais loucura, dois jovens largarem suas famílias para viverem um momento bom, ou mulheres casadas por 20 anos, sofrendo por não amar e por estar perdendo suas vidas? Você pode assistir ao filme, não entender nada, classificar os protagonistas como insanos. Mas eu vejo que a única insana era a mãe. Ou melhor, o que o filme critica. A falta da atitude. Imaginem tudo isso, que nem consigo explicar direito, envolto de um sarcasmo, umas piadas maravilhosas que, em nenhum momento, se tornam comédia, por tamanha obscuridade.
Hal Hartley explora o ser humano, nossas escolhas, a própria Maria registra em um bloco de notas: “eu tenho vergonha de ser jovem“. Pois ela é, no começo do filme, muito inocente, vai aos poucos se tornando um pouco Matthew, tanto que assume o mandato e coloca a granada dentro de uma gaveta. Guardando os problemas, tanto do Matthew quanto dela mesma, do tipo que diz “esqueça isso tudo, pensaremos em ir caminhando ao próximo dia e só isso basta”.
“Família é como uma arma. Se apontar na direção errada pode matar alguém”
Esse filme tem uma das cenas mais lindas da história do cinema, um dos diálogos mais lindos que eu já vi, que se constrói em uma busca por definições, mas ao contrário. Primeiro há uma definição, para depois ignorar o significado. O quão fácil é dizer “eu te amo”, o quanto é complicado explicar o porquê. Maria vai fazer o aborto, em uma cena muito cômica percebemos que Matthew está bem mais nervoso que ela. Há um desentendimento, não dá certo. Os dois saem e encostam em um muro. Minutos antes ele a pediu em casamento. Ela então, ainda encostada na parede, pergunta se era verdade aquela pergunta:
– falava sério sobre casar comigo?
– Sim.
– Por quê?
– Por que eu quero.
– Não porque me ama ou algo parecido né?
– Eu te admiro e respeito.
– Isso não é amor?
– Não.
– É respeito e admiração. Acho que é melhor do que amor.
– Como?
– Quando as pessoas amam, elas fazem loucuras… ter ciúme, mentir, trair, matam a si mesmos e matam uns aos outros.
– Você vai ser pai de uma criança que não é sua.
– Crianças são crianças.
 
Depois desse diálogo, temos um sobre confiança. Que coisa linda. É válido ressaltar, que essas palavras saem da boca de um rapaz com problemas com o pai, mais para frente, quando o seu pai vai procurá-lo para voltar pra casa, ele pede que o pai admita que sente sua falta, isso acontece nessa cena citada acima. A menina pede que ele admita que respeito e admiração é amor, mas o mesmo se recusa, durante todo o filme ele propaga não amar ninguém, como assim um cara durão pode amar uma desconhecida? Não sei, mas ele a admira e respeita. Outra coisa, um filho maltratado, sem carinho do pai, sem a mãe, morta quando ele nasceu, afirma que “crianças são crianças” uma frase que pode soar fria, mas é a interpretação de um sentimento de bondade e afeto tamanho, ao ponto de estar pronto para assumir um filho que não é seu, mesmo que não tenha cem por cento de certeza que é realmente capaz.
Fica claro que a menina muda drasticamente durante o filme. Assim como a importância do fator trabalho. Matthew não consegue ficar em nenhum, pois o comum é pouco para ele. Receber ordens, repetição, nada faz muito sentido, ele é um perdido. Uma pessoa com muito para dar ao mundo, que ainda não percebeu e tenta desesperadamente se encontrar. Ou pode ser simplesmente um vagabundo desajeitado, irá depender do seu ponto de vista.
– Eu gosto do jeito que ele é
– Como ele é?
– Perigoso. Mas sincero.
– Sincero e perigoso?
– Não. Perigoso porque é sincero
 
Nessa história de absurdos reais, só a verdade. Talvez uma das relações mais verdadeiras da história do cinema. Não se sabe um motivo, nem existe um objetivo. Só uma atração inexplicável. Em nenhum momento ele tenta conquistar a garota com mentiras, pelo contrário, ele é ele. Esquisito, meio existencialista, um tanto perigoso, mas tudo isso só porque ele é sincero. Poderia se apresentar como um cara perfeito e ela ir, aos poucos, descobrindo a verdade. Mas não, de tudo o melhor: Tudo parte da sinceridade dele. Então, sendo assim, ele pode ser o que for mas é confiável. E ela, simplesmente, confia.
Obs: Texto originalmente publicado em 19 de fevereiro de 2015

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterFacebookGoogle PlusFlickrYouTube

Tempo de Embebedar Cavalos (2000)

Já falei quantas vezes que o cinema que mais gosto do mundo é o Iraniano? Enfim, afirmo novamente e você, meu caro, que ainda não assistiu nada desse país, tome vergonha na cara e corre, mas corre, aproveita que está fácil, tem muita coisa no Youtube, inclusive esse que comento hoje, certamente será uma das maiores experiências cinematográficas que você terá na vida.
“Tempo de Embebedar Cavalos”, lançado em 2000, segue a linha de vários iranianos, onde a criança será reflexo das situações horrorosas onde todos, sem exceção, são usados. As crianças são os veículos ideais pois, como é possível imaginar, representa a inocência, o novo, diante a situações de mudanças. Dessa vez, nossos corações segue a história de cinco irmãos órfãos, destaque para Ayoub e  Ameneh que, além de trabalhar para pagar a dívida de uma mula, ainda precisam se preocupar em juntar dinheiro para a operação do irmão mais novo, Madi, que sofre uma grave doença.
Madi é deficiente, evidentemente se torna um problema para uma família sem condições, mesmo assim, o amor que recebe, cuidado e carinho, é de chorar os 80 minutos de filme. Lembrando que o cinema Iraniano tem crianças que não são atores, na sua maioria, então a verdade das expressões provocam questionamentos, não entendo como é possível. Mais da metade dos mirins de Hollywood não chega aos pés do que essas crianças fazem. A irmã Ameneh demonstra tanto carinho, todo momento beija o irmãozinho, protege o irmão mais velho, que assumiu o posto de líder depois da morte do pai, em dado momento ela olha para o alto e pede que Deus ajude o irmão com problemas de saúde. A criança olha para o céu também, junto com ela, um silêncio, uma dor aterrorizante. Tão cruel, um ensaio sobre o real. A dor é tão real, inclusive, que as cenas em que o pequeno toma injeção e chora, quando está congelando no frio ou sendo arrastado por mulas, enquanto fica preso em uma “sacola”, são uma mescla de realidade e, também, tortura. O quão ético é registrar o sofrimento com o sofrimento? Enfim, é um bom exercício esses filmes, pois eles tem como proposta primordial a exibição do que acontece. Ninguém pode julgar acontecimentos. É preciso estar despido para, só então, conseguir embarcar na nova cultura.
Por sinal, esse filme se passa em um lugar diferente do Irã, localizando-se na divisa com o Iraque, o que terá uma importância na trama, visto que Ayoub faz parte dos contrabandistas, que se submetem a vários perigos de vida. A paisagem está congelada, o branco da neve, o frio, apoia a ideia de sofrimento. O trabalho pesado, o pesado sendo carregado nas costas infantis, são reflexões que terminam nas cenas finais, onde as mulas são pisoteadas, é tão doloroso vê-las carregando aqueles pneus enormes, caindo na neve, apanhando, que entramos em estado de choque, aquelas mulas são as crianças e vice-versa. O desespero é um só. Não existe idade para esse tipo de coisa.
Primeiro filme do diretor Bahman Ghobadi, que vem fazendo grande sucesso em festivais de cinema. Além de ser ótimo, parece ser um ótimo e sensível ser humano. É preciso muita passionalidade para realizar obras incríveis como ele.
Obs: Texto originalmente publicado em 13 de março de 2015

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterFacebookGoogle PlusFlickrYouTube

Bé Omid É Didar (2011)

O cinema Iraniano vem amadurecendo a cada ano, inclusive essa realidade acabou aumentando ainda mais com o Oscar para “A Separação”, porém, o país ainda enfrenta grandes dificuldades e, me parece, que os filmes sempre terão como pauta principal buscar uma forma de utilizar personagens como metáforas para as diversas situações que ocorrem e que eu – assim como muitos – não entendo completamente pois não vivo no Irã.
No mesmo tempo que a arte produzida nesse país um tanto quando “exótico” cresce a cada dia, o poder permanece autoritário e tenta podar seus melhores artistas como, por exemplo, Jafah Panahi, que foi preso por desagradar as autoridades apoiando um candidato oposicionista em 2009. Esse fato desencadeou, inclusive, o belíssimo documentário “Isso Não é um Filme”, onde o próprio Panahi se filma preso em seu apartamento e reflete sobre a criação artística, enfim, foi um processo bem turbulento sendo, inclusive, alvo de atenções de grandes nomes do cinema como Steven Spielberg e Juliette Binoche. Bem, ao lado de Jafah Panahi, um outro diretor menos conhecido, porém, de suma importância, chamado Mohammad Rasoulof, também foi preso, mas ao contrário do primeiro, que inicialmente foi proibido de filmar por 20 anos, Rasoulof conseguiu permissão para continuar com o seu projeto “Bé Omid É Didar”, que viria a ser lançado em 2011, um ano depois desse episódio catastrófico para o cinema.
Com o contexto citado, posso dizer que “Bé Omid É Didar” ou “Adeus” sustenta sua crítica na figura de um jornalista, cujos textos afetam diretamente o poder e, por esse motivo, se vê preso em uma onda de investigações e opressão. Quem sofre tudo isso é sua mulher, que está grávida, ela anseia poder sair do país mas, enquanto isso, acompanhamos a trajetória de uma mãe desesperada e perdida pois irá trazer a esse mundo sujo uma criança, que não tem culpa de absolutamente nada, ainda mais, essa personagem principal permanece sozinha, o marido se esconde, a mãe que chega para ajudá-la parece que a sufoca, enfim, está solta, presa dentro de uma série de questionamentos.
Essa mulher, interpretada brilhantemente pela linda Leyla Zareh, parece desprendida daquela imagem submissa, afinal, é jovem e advogada, porém tem sua licença cassada, ou seja, a fuga se mostra inteiramente presente em cada quadro, em duas cenas a moça está no terraço do seu apartamento e, subitamente ao fundo passa um avião, como se viesse ao encontro dela. Outra metáfora em meio a um silêncio perturbador seria quando ela, delicadamente, coloca uma tartaruguinha em uma vasilha, joga umas sementes, mas o filhote de tartaruga quer sair daquele lugar, ela sai do quadro e a câmera permanece estática no bichinho, quando a moça retorna, ela cerca a vasilha com jornais, ou seja, palavra, ou seja, censura. O filme tem uma linguagem extremamente complicado, é facilmente confundido com monótono, mas há um senso crítico poderoso, em meio a tanta solidão, representado, também, pela fotografia magnífica, uma dose certa de distância, um azulado remetendo a melancolia, enfim, um vislumbre visual.
O fato dela estar grávida deixa tudo ainda mais interessante, principalmente quando percebemos que esse fato se torna uma maldição ao longo, um fardo, em qualquer outro lugar seria altamente normal, mas não ali, não pressionada, não naquela situação, ter um filho passa a ser uma previsão catastrófica, repetir o erro de estar vivo em um lugar que não se merece a vida, a personagem está no seu limite de tolerância, começa, então, a ser indiferente, seja aos homens que vão investigar sua casa a procura do marido ou a própria mãe, tudo não passa de algo natural, menos o fato de que é mãe, isso nunca motiva um sorriso dela, muito menos um choro, está, simplesmente, acontecendo, e está buscando a melhor forma de lidar com isso, sozinha, fugir não é uma opção pois tenta incansavelmente ir para outro lugar, a fuga não seria um aborto, ou a criança vir ao mundo normal, tudo está anormal, o fato da sua filha ter síndrome de down, descobrimos isso ao longo, é só uma extensão daquela situação, a nossa protagonista só precisa de um lugar para viver em paz.
– O que anda fazendo?
– Não posso mais aguentar. Esse país não é lugar para se ficar.
– Mas a que preço?
– O preço da liberdade. Preço da vida.
– Vou dar a luz a ela e renascerei
– O bebê é inocente… é um pecado mantê-la em tempos como esse
Obs: Texto originalmente publicado em 28 de março de 2015

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterFacebookGoogle PlusFlickrYouTube

Gojitmal (1999)

Gojitmal que, em inglês, foi traduzido como “Lies”, ou seja, “Mentiras”, é estranho, assim como a sua tradução. Fiquei imaginando o motivo do título, seria uma ironia? Talvez, em outra situação esse questionamento poderia ser banal, mas aqui se faz necessário, ao terminar de assistir, tive a ligeira impressão de que o diretor, Jang Sun Woo, poderia ter extraído bem mais dessa história.

Não posso negar, aliás, que o início do filme é um primor, mesmo com uma filmagem que apresenta um certo desequilíbrio, senti como se fosse um voyeur, seguindo aqueles personagens comuns a caminho de suas próprias descobertas. Em muitos momentos a câmera se esconde atrás da parede, como se estivesse espionando o sexo, as pronúncias envoltas de muita excitação. Enfim, como disse, “Lies” me ganhou nesse início onde temos, representativamente, um diretor de cinema apresentando a ideia do próprio filme que virá à seguir, nas palavras dele a obra fala sobre possessão, o que me parece deveras interessante, temos dois personagens centrais que possuem um ao outro mas não se possuem, ou seja, vazios, não há identificação por eles, não passam de almas penadas enquanto sozinhos, parece que voltam à vida quando estão, de alguma maneira, relacionados ao sexo. E bota sexo nisso, há em todos os momentos cenas picantes, motivo que levou o filme, inclusive, a ser banido na Coréia do Sul em 1999.

A certeza que fica no início é realmente essa: o filme fugirá dos padrões, parecerá com um documentário e, ao longo, será inserido uma espécie de Making-Off. Tentarei explicar, antes dos créditos iniciais o diretor fala para alguém – espectador – sobre o que trata o filme, surgem os créditos e depois somos apresentados a personagem Y, uma menina de 18 anos que está indo encontrar um cara que ela fez sexo por telefone, depois corta e temos a atriz que interpreta Y falando, nos bastidores da entrevista para entrar no elenco, que se estava se sentindo um pouco desconfortável por estar fazendo um filme que apareceria bastante tempo nua. Bem, é uma loucura, mas genial. Não me lembro de outro filme utilizando esse artifício, para mim foi uma novidade maravilhosa.

Y encontra J, ela uma menina de 18 anos e ele um homem de 38, sua mulher está viajando e ele conhece Y no telefone, fica claro que ambos já se excitaram um com o outro, por meio da voz. Ela até fala que não teria como não aceitar encontrá-lo pois tinha ficado molhada apenas ao ouvi-lo. Bem, eles vão para um quarto de motel – durante uma hora e quarenta minutos, vinte minutos é de filmagens externas e uma hora e vinte é tudo dentro de quartos – e lá se conhecem visualmente, cada detalhe, a calcinha, o pênis, o cheiro da axila (?) enfim, é de se admirar(estranhar) a naturalidade que eles agem no primeiro encontro, ou esse seria simplesmente uma consequência da afinidade adquirida por telefone, ou seja, sem o toque. Ele narra suas ações, fala do corpo dela, pergunta se sabe o que está fazendo, avisa o momento de penetrá-la, enfim, alguns exageros mesmo, até que esses encontros vão trazendo outras consequências, ele começa a levar uma mala com chicotes, varas, madeiras e, juntos, aderem o sadomasoquismo.

Em tempos de “50 Tons de Cinza”, Lies é uma bela contradição, filme Sul Coreano, difícil de digerir, enfim, poderia ser muito mais elaborado, infelizmente acaba se perdendo na mesmice, pois da metade para frente é só bunda erguida para levar palmada, os dois protagonistas – ou seria apenas um? – chegam ao cúmulo de sair pelas ruas procurando pedaços de madeira e outras coisas para bater e apanhar, culminando em uma cena onde Y passa perto de uma construção, vê um pedreiro com um martelo e se delicia nas suas imaginações.
Uma coisa que achei muito interessante, é a analogia da violência com as lembranças de quando criança, J afirma que, enquanto apanha, é como se transportasse para sua infância, enquanto Y acrescenta, logo após, que se sente como sua mãe.

Não poderia deixar de citar uma frase, ainda no primeiro encontro deles, onde J fica lambuzando o ânus da pequena ninfeta, avisando-a que irá penetrá-la, ele então solta um “imagine meu pau como merda”. É no mínimo divertido.
Eles passam por diversos motéis, todos eles funcionam como um ninho de amor e interpretação de quem são e, principalmente, o que gostam. Em dado momento Y diz que gostaria de cortar o pênis do seu amante e guardar. Isso demonstra o enorme carinho e obsessão pela posse. O filme fala de possessões, introduções, sexo, posse e vício. O que importa é ter para si o corpo de alguém e, fazer desse alguém o seu boneco, construindo dores compartilhadas.
“Minha esposa viu o “meu amor” tatuado na minha coxa, me perguntou o que significava aquilo. Então eu comecei a mentir.”
Obs: Texto originalmente publicado em 25 de abril de 2015

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterFacebookGoogle PlusFlickrYouTube

When Marnie Was There (2014)

Studio Ghibli é sinônimo de pureza, dedicação e sensibilidade. Eu poderia criar uma lista interminável de adjetivos, mas seria inútil, pois me sinto um ignorante em relação à grandiosidade desse estúdio. Nunca fui um especialista em animações japonesas ou animes, mas certamente sou um grande curioso, pois a cultura do Japão vê no desenho – seja animes, filmes ou manga – a sua alma. Studio Ghibli representa algo extremamente poderoso, uma entrega quase que absoluta à arte, é impossível não se emocionar, pois as histórias estão diretamente relacionadas com o nosso lado criança, desbravando um mundo mágico. E, nesse mundo mágico, acontecem coisas que se aproximam do exagero, porém é exatamente isso que torna os filmes cativantes e únicos. Poderia afirmar que a Pixar, há alguns anos atrás, era fruto dessa magia, uma pena que agora anda errando bastante, mas é basicamente a mesma coisa, se sustenta em grandes criadores e, principalmente, humanos extraordinários que têm muito amor e simplicidade em seus respectivos corações. Se a Pixar tem John Lasseter, o Studio Ghibli tem Hayao Miyazaki e Isao Takahata dois gênios que ensinaram os mais jovens a fazer filmes como, por exemplo, Hiromasa Yonebayashi que assina a direção desse último filme do estúdio chamado “When Marnie Was There”.

Hiromasa Yonebayashi fez “O Mundo dos Pequeninos” que, igualmente ao mais recente, nos brinda com um mundo fantástico e mistérios, levados as últimas consequências nesse último, aliás, ouso dizer que temos ai um grande nome para suceder o grande Hayao Miyazaki, poderia estar cometendo uma injustiça, mas vejo nesse jovem diretor de 40 anos um potencial enorme.

When Marnie Was There ao contrário de “O Mundo dos Pequeninos” é inteiramente adulto, não só pelos temas que descreverei a seguir, como também pela profundidade. Não lembro de um filme sequer desse estúdio querido, que não possua temas interessantes, mas são desenvolvidos sobre um olhar infantil, quase doce, não que isso não aconteça aqui, mas há uma dose de confusão, quase um misticismo envolto de lembranças, algo que comove muito mais os adultos. Conta-nos a história de Anna, uma garota solitária e tristonha, que por motivos de saúde vai passar um tempo no campo, para se manter bem tanto fisicamente quanto emocionalmente, ela se vê diante de uma vida monótona, até que encontra uma mansão misteriosa. Essa mansão traz algum tipo de lembrança para a menina, mesmo que a própria e nós, espectadores, não saibamos. Há boatos na pequena cidade de que não mora ninguém na mansão, mas surpreendentemente Anna enxerga sempre uma menina loira através da janela, isso a intriga ao ponto de transformar esse mistério em obsessão. Conhecendo um pouco mais dessa menina, além de fazer uma belíssima amizade com a mesma, Anna descobre que ela está cercada de mistérios.

O filme começa e Anna está sentada em uma praça, qualquer atividade é atrapalhada por aflições da personagem sobre a sua pessoa, ela visivelmente passa por problemas de auto-estima, sempre meio deslocada, a própria começa afirmando com propriedade: “[…] nesse mundo há um círculo mágico invisível[…]”, ela olha para outras garotas e continua “[…]ou você está dentro ou fora dele.”, curiosamente no mesmo tempo que ela sintetiza o filme, ainda coloca sua figura, o que representa, fora desse círculo mágico, que podemos traduzir como a vida. Ela não faz parte de nada, pelo menos o sentimento é esse, isso só se agrava ainda mais por ela ser adotada, distanciando-a, psicologicamente, da normalidade, por mais que sua mãe teime em dizer que está tudo normal. O coração de Anna sente que algo está errado e, mais além, sente que precisa passar por algo para compreender sua real situação, aquele famoso soco no estômago da vida, para aceitação da sua própria imagem, tão deturpada por si própria.

Ela segue rumo à cidadezinha, no interior, onde a natureza se faz ainda mais presente e influenciável, soando como o paraíso das crianças. Ela, pelo contrário, fica no quarto, escreve cartas, enfim, com seu jeito tímido e delicado, quase que constante.  Quando a solidão não é mais cabível e a iniciativa para fazer amizade é nula, surge a possibilidade de enfrentar o desconhecido – representado brilhantemente pelo barco, do qual ela deve remar -, com a mansão e seus mistérios, que acabam impulsionando uma nova e rápida amizade. Tão veloz que soa artificial, no mesmo tempo que é estável, quase que natural, o mistério está jogado ao espectador, soluções clichês começam a aparecer, mas o filme em nenhum momento se torna fraco por isso, pelo contrário, esse enigma é surpreendente, talvez não inédito, mas envolto de, igualmente, muita magia e emoção.

Essa amizade/história pode ser tudo amigo imaginário, fantasma, ela mesma, enfim, tudo que é possível caber nesse mundo invisível, citado no começo do filme, pode ter uma dose de religião, como uma reencarnação, o que me parece uma grande viagem, mas é esse o real legado, pensar e solucionar algo que está muito claro, ela simplesmente precisa se sentir parte de algo, bem como transformar esse algo no seu templo, afim de seguir à diante.

Esse amor que nasce é tão poderoso, que não se explica em nenhum momento, nem dá espaço para entendermos, é um tanto romântico às vezes, no mesmo tempo confuso, pois os fatos são conflitantes, mas acima de tudo são de extrema sinceridade. A explicação começa a dar lugar às lágrimas, não por saber, mas simplesmente por estar acontecendo.

Adaptado de um livro com o mesmo nome – o qual eu fiquei curioso para ler – “When Marnie Was There” faz jus ao anterior do estúdio “Princesa Kaguya” e nos transporta para um mundo incrivelmente maravilhoso, deixando de lado nossas interpretações para, tão somente, sentir.

“Eu te amo mais do que qualquer outra garota que já conheci.”

Obs: Crítica originalmente publicada no dia 4 de abril de 2015.

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterFacebookGoogle PlusFlickrYouTube

Nosferatu de Werner Herzog e os múltiplos exercícios formais de ressignificações

Refilmagem do clássico alemão dirigido por F. W. Murnau em 1922 (Nosferatu – O vampiro da noite) apresenta a clássica história do vampiro Drácula, de maneira única. Tanto as coisas funcionam assim que Werner Herzog não perde muito tempo com apresentações e construções de enredo ou personagens. O diretor pressupõe que o público está familiarizado com o personagem e o que vai acontecer durante a trama.

Quando Herzorg opera um duplo exercício formal em Nosferatu, de conservação dos elementos expressionistas do original integrando-os com a potencialidade do Cinema “moderno”,  histórica e tecnicamente  diferenciado da década de 1920, impregnado elementos como a profundidade de campo, a passagem de tempo pautada na natureza cada vez mais voraz e fascinante de time-lapse e sobreposições, assim como as sombras refletidas nas paredes exacerbadas pela escuridão, como na cena final do filme na qual um Nosferatu sombrio ajoelha-se sobe a cama da mulher toda vestida de branco, deitada em uma cama toda branca, encenando ali o embate e luzes contra as trevas.

Em todo o filme vemos um Nosferatu totalmente entregue às sombras em planos idênticos ao do filme original, com o monstro adentrando o quarto, só que novamente com a profundidade de campo, e a própria propriedade das cores, que aqui são dessaturadas para simular o monocromático, com grandes planos em close da face esbranquiçadas da criatura em meio a todo um espaço negro que invade o enquadramento, dando assim um amplo domínio do plano, assim como da narrativa.

Toquemos em um ponto também sutil, as interpretações são levemente expressionistas, textos entoados com toda a classe teatral, assim como leves relapsos de expressões faciais exageradas, porém todos esses elementos só são perceptíveis com uma plateia já habituada com um cinema contemporâneo, que aproximou-se mais de um realismo confuso até para a própria essência cênica. Com toda formalidade exposta, cabe agora ressaltar como diametralmente e consequentemente o conteúdo expande-se em relação ao original. O próprio Herzog afirma que sua homenagem ao filme de 1922, não se trata de um simples remake, mas uma forma de explorar novos significados e de esclarecer sua relação com o cinema alemão dos anos 1920.

Refilmagem do clássico alemão dirigido por F. W. Murnau em 1922 (Nosferatu – O vampiro da noite) apresenta a clássica história do vampiro Drácula, de maneira única. Tanto as coisas funcionam assim que Werner Herzog não perde muito tempo com apresentações e construções de enredo ou personagens. O diretor pressupõe que o público está familiarizado com o personagem e o que vai acontecer durante a trama.

Quando Herzorg opera um duplo exercício formal em Nosferatu, de conservação dos elementos expressionistas do original integrando-os com a potencialidade do Cinema “moderno”,  histórica e tecnicamente  diferenciado da década de 1920, impregnado elementos como a profundidade de campo, a passagem de tempo pautada na natureza cada vez mais voraz e fascinante de time-lapse e sobreposições, assim como as sombras refletidas nas paredes exacerbadas pela escuridão, como na cena final do filme na qual um Nosferatu sombrio ajoelha-se sobe a cama da mulher toda vestida de branco, deitada em uma cama toda branca, encenando ali o embate e luzes contra as trevas.

Em todo o filme vemos um Nosferatu totalmente entregue às sombras em planos idênticos ao do filme original, com o monstro adentrando o quarto, só que novamente com a profundidade de campo, e a própria propriedade das cores, que aqui são dessaturadas para simular o monocromático, com grandes planos em close da face esbranquiçadas da criatura em meio a todo um espaço negro que invade o enquadramento, dando assim um amplo domínio do plano, assim como da narrativa.

Toquemos em um ponto também sutil, as interpretações são levemente expressionistas, textos entoados com toda a classe teatral, assim como leves relapsos de expressões faciais exageradas, porém todos esses elementos só são perceptíveis com uma plateia já habituada com um cinema contemporâneo, que aproximou-se mais de um realismo confuso até para a própria essência cênica. Com toda formalidade exposta, cabe agora ressaltar como diametralmente e consequentemente o conteúdo expande-se em relação ao original. O próprio Herzog afirma que sua homenagem ao filme de 1922, não se trata de um simples remake, mas uma forma de explorar novos significados e de esclarecer sua relação com o cinema alemão dos anos 1920.

Neylan

Um estudante e produtor de cinema constantemente em busca do Sonho Lúcido. Hello Stranger.

More Posts

Follow Me:
Facebook

Lisa e o Diabo (1972)

Lisa e o Diabo (Lisa e il diavolo, Itália, 1972) Direção: Mario Bava

Lisa é uma de nós, uma mulher que se sente perdida e enclausurada em meio à uma cidade magnífica (Roma) mas que, assim como qualquer outra, engole todos aqueles que não estão profundamente conectados com o meio. E tudo é assim, se o ser não está vinculado aquilo que vê, não está completo. E são nessas lacunas existenciais que o Diabo se aproveita para provocar a vertigem.

Lisa anda pela cidade, sua postura é tipica de uma turista. Tudo seria absurdamente normal – afinal, ser turista é dialogar com o alienígena que mora em si – se não fosse a devastação subliminar provocada pelo silêncio. Um medo intrínseco do homem e que o remete aos mais profundos pesadelos é a incomunicabilidade com os demais. O medo brota como uma semente no estômago, ele cresce e ganha formas, depois como em um golpe o pavor não se contenta em se manter escondido e foge. No entanto, a voz não sai, ninguém olha, definitivamente poucos se importam com o medo alheio ou, simplesmente, nada disso existe. Se não existe? Quem sou? Senão, uma pessoa que está sonhando?

Será que o Diabo se aproveita da vulnerabilidade do sonho? Pense bem, toda uma vida, com sua força, coragem e história, se desmancha e dorme. Acordado ou não, o que de fato importa é que Lisa representa justamente esse estágio inconsciente, onde o desespero trabalha em favor do mal, impedindo que o sujeito acorde.

Elke Sommer atua como se estivesse em um pesadelo perpétuo. Quanto a técnica, a partir de filmagens em ângulos baixos, Mario Bava ressalta a pequenice da protagonista em relação ao lugar onde está.

Essa representação do demônio carregando os mortos vai muito além da arte formal da época. Observem, a imagem de Satã expressa uma qualidade que reflete os mais profundos prazeres demoníacos”

Diversas religiões pregam que a vida cotidiana nada mais é do que um jogo de xadrez entre as forças divinas. Os seres são as peças e precisam percorrer o tabuleiro afim de, no final, escolherem um lado. O que mais causa desconforto nessa ideia, é justamente o fato de não termos capacidade de controlar as nossas vidas. Lisa e o Diabo (1972) é orquestrado pelo Mario Bava a partir dessa ideia e, convenhamos, se trata de um medo primordial do ser humano.

O Diabo aqui – representado pelo Leandro (Telly Savalas) – é o único que realmente tem o controle de tudo. Carrega manequins macabros que simbolizam justamente o ser imóvel, sem vida, petrificado.

Mario Bava conduz brilhantemente um filme desconfortável, é perceptível a aproximação do diretor com o tema e a climatização que constrói com perfeição. Se trata de uma obra repleta de sensações que, quando transmitidas, atingem a mútua compreensão de que o medo é verdadeiro e solitário.

A provocação acontece por sons suaves de harpas, enquadramentos abafadiços e estreitos e personagens atordoados inseridos nesse contexto perverso e onírico. É o horror no seu estado primitivo.

Uma das personagens orando, pressionada pelo enquadramento e sobre um chão que se assemelha a um tabuleiro de xadrez.

 Lisa e o Diabo (1972) é uma obra-prima que oprime e obriga uma atenção total por parte daqueles que o assistem. A mise en scène nunca esteve tão magnífica em um trabalho do Bava, aqui ele atinge o seu ápice e realiza algo enorme dentro do gênero de terror, provando uma sequência de ideias, principalmente no que tange a execução da atmosfera aterrorizante. Assistir esse clássico é como mergulhar em infinitas possibilidades artísticas e metafóricas, todas buscando os passos repetitivos e movimentos circulares. A protagonista anda, corre, se desespera, mas não sai do lugar. No final, “todas as peças do xadrez irão ser guardadas na mesma gaveta”.

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterFacebookGoogle PlusFlickrYouTube

Amantes Eternos (2013)

Amantes Eternos (Only Lovers Left Alive, Inglaterra/França/Grécia/Alemanha, 2013) Direção: Jim Jarmusch

Não consigo mais desassociar os profundos dilemas da imortalidade do livro da Simone de Beauvoir “Todos os Homens são Mortais“, parece que estou fadado a vagar pelas reflexões sobre a eternidade assim como o personagem Fosca. Como todo homem precisa lidar com a sua benção/maldição do conhecimento, sigo interpretando a arte e mensurando as personagens que me são apresentadas e que, direta ou indiretamente, estão relacionados com a praga da infinitude.

Uma obra importante, no que tange a imensidão de possibilidades a serem trabalhados a partir do tema, é Amantes Eternos (2013) dirigido pelo maravilhoso e visionário Jim Jarmusch. Nesse filme em específico, a imortalidade traz consigo dores e cansaço, mas o vampirismo aqui acrescenta ainda mais camadas filosóficas no que diz respeito à natureza perversa do ser humano, bem como a sua busca por conhecimento e cultura.

O tempo que se estende é inconstante e indecifrável, ora o infinito parece uma maravilha da natureza, por vezes essa ideia utópica – mas estreitamente relacionada com diversas crenças – assume a verdade de que se trata, na verdade, de um carma. Afinal, quanto tempo dura a perfeição? O tempo talvez seja o único elemento capaz de transformar o farto em monótono, perfeição em ruína. Com isso, é questão de tempo associar a transformação do indivíduo em vampiro como um acontecimento sublime, contudo esquecemos que existe uma enorme maldição em se distanciar para sempre da pureza, sobretudo aquela que se esconde sob as asas da ignorância.

Os vampiros são seres mitológicos de grande representatividade na cultura popular, por diversas vezes atrelados à elementos sociais e emocionais como poder, desejo, solidão, entre outros, a figura do monstro assumiu e assume diversas máscaras, passando por imagens ameaçadoras ou até mesmo as mais belas aparências. Amantes Eternos (2013) desconstrói da sua maneira isso ao apresentar um protagonista isento de ambição, egocentricidade ou vaidade, sua monstruosidade, há tempos benéfica em relação, principalmente, à intelectualidade, agora o assombra como uma entidade diabólica que teima em lhe mostrar o mundo e sua transformação cultural, a qual definitivamente não aceita gerações de séculos passados.

A história se concentra em dois vampiros hipsters, Adam (Tom Hiddleston) e Eve (Tilda Swinton) que permanecem conectados mesmo após séculos juntos, contudo nos tempos atuais a relação de ambos se mantém a distância – com a utilização da internet. Os dois estão visivelmente cansados da sociedade que estão inseridos, o que acaba se agravando quando Adam tem uma crise depressiva. Eve vai até o encontro do amante para confortá-lo, como se sua presença fosse a única coisa capaz de estabelecer o equilíbrio, contudo eles encontram o infortúnio com a chegada da irmã mais nova de Eve chamada Ava (Mia Wasikowska), uma menina agitada e que não consegue controlar a sua sede.

A linguagem é diferente de todos os filmes famosos de vampiro, isso porque a condição não é necessariamente o protagonista do roteiro e sim as consequências dela. Sem dúvida o ponto alto do argumento é ser sincero no questionamento do que aconteceria se pessoas existissem no mundo há tanto tempo e, por ventura, fossem enraizados com as artes através da história. Tanto Adam e Eve presenciaram as transformações artísticas, conheceram grandes nomes durante a Idade Média ou as Grandes Guerras, então qual o sentido e percepção que eles têm a partir do momento em que a existência se tornou fútil e acomodada? A geração que se conforma com o conforto não está pelo mundo, despido, fazendo a diferença, então qual o impacto de algo tão massante para alguém que viu todas as revoltas?

A temática é desenvolvida aos poucos, a técnica está a favor do roteiro e o complementa com perfeição, desde a mise en scène que traz a casa do protagonista desarrumada porém existe uma ordem perfeitamente aceitável e coerente com a sua fragilidade emocional, a sala é repleta de álbuns, há arte em cada cômodo, passando pela trilha sonora que se utiliza de músicas sensacionais, até movimentos de câmeras e ângulos – a apresentação das personagens centrais se dá através de um plongée, evidentemente demonstrando de imediato ao espectador a pequenice delas em relação às suas próprias casas, quiça o mundo. O conflito existencial está presente em todas as cenas, brilhantemente orquestradas e fotografadas, com paletas de cores frias, portanto, melancólicas. A monstruosidade é, de fato, do mundo que se acostumou em não gritar por liberdade, os vampiros se sentem compelidos à participarem da suposta ordem em nome dos bons modos, eles sabem, no fundo, que tudo não passa de meras formalidades ilusórias, por dentro tudo está em plena devastação.

Os diálogos são diretos e a obra nunca se deixa cair no comum, quando começamos a assimilar sua proposta, aparece a personagem da Ava que traz consigo toda a jovialidade e personalidade leviana, ela é medíocre intelectualmente, um verdadeiro contraste profundo com aqueles que consomem e existem por causa do conhecimento. Mia Wasikowska consegue exprimir toda essa desestruturação através de simples movimentos e expressões, inclusive esse trabalho se diferencia dos demais da atriz, que costuma interpretar personagens passivos. Mas o destaque mesmo é da maravilhosa Tilda Swinton e Tom Hiddleston, os dois são singulares na demonstração de perdidão, sentimentos que se mesclam e dialogam com a auto-afirmação de segurança, medo, raiva, culminando em uma postura mórbida e suicida. O único fio que os conecta com a existência é justamente a relação amorosa que, incrivelmente, perdura mesmo através do mútuo sufocamento causado pelo acordar.

Amantes Eternos (2013) é uma obra-prima que nos obriga a refletir sobre a mesmice das nossas caminhadas e silêncio. A existência vã que se alimenta de vidas alheias. Beber sangue é como se drogar, uma forma de se ausentar do real, do possível e abraçar o onírico, o paraíso da finitude e da lembrança. Viver pode se tornar um pesadelo quando estamos destinados a sermos os últimos sobreviventes para contar a história.

emersontlima

No fim, sou apenas um cara fantasiado de coelho que, durante o dia, coloca a máscara de homem e paga uma de intelectual com aqueles que exaltam qualquer manifesto de inteligência.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterFacebookGoogle PlusFlickrYouTube